anatomia arquitetônica: Casa do Cinema - Arquitetura Souto Moura

sábado, 7 de janeiro de 2012

Casa do Cinema - Arquitetura Souto Moura - Porto / Portugal

A sua arquitectura não é óbvia, frívola ou pitoresca: está imbuída de inteligência e seriedade, requer um encontro intenso, em vez de um olhar rápido. Como a poesia: tem a capacidade de comunicar emoções àqueles que despendem tempo para escutar.

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Cadeira Girafa - Lina Bo Bardi

A década de 80 teve importância significativa para o design. Foi nesse período que o design assinado começou a ser difundido no Brasil. O termo surgiu, conforme apontam algumas referências àquela época, como estratégia de marketing e veio para ficar. Até hoje desenho autoral, exclusivo, é sinônimo de móvel especial e a designação foi decisiva para que especificadores brasileiros se destacassem mais e também conquistassem maior projeção internacional. Foi nessa década também, mais precisamente em 1988, que o dia 5 de novembro começou a ser celebrado como o Dia Nacional do Design. Isso tudo em meio a um período conturbado no Brasil. O País comemorava a redemocratização e eleições diretas para presidente após a ditadura militar. A cultura estava em efervescência após anos de censura. Porém, na economia as coisas não iam bem. O País estava estagnado e sofria grave crise econômica. A cadeira Girafa foi criada em conjunto por Lina Bo Bardi, Marcelo Ferraz e Marcelo Suzuki

Marcel Breuer American, born Hungary

A Cadeira Wassily foi criada entre 1925 e 1927 pelo húngaro Marcel Breuer. Construída com o mesmo material da bicicleta que o designer tinha, a cadeira Wassily, é um dos primeiros exemplos de tecnologia de aço tubular dentro do design de móveis. Ela foi uma das primeiras criações da escola Bauhaus, ajudando a consolidar a reputação da mesma como uma grande influência no design funcional em todo mundo, abrindo espaço no futuro para diversos outros modelos produzidos por designers dela se destacarem.

Lygia Clark

Lygia foi uma das fundadoras do Grupo Neoconcreto, que tinha como proposta uma ampliação dos princípios da arte concreta paulista, incorporando a expressão em oposição à exacerbação do racionalismo. Nesse período, a artista utiliza tintas industriais e placas de fórmica em seus quadros para criar efeitos de profundidade, brincando com a percepção do espectador. não utiliza molduras em suas telas, simbolizando a quebra do distanciamento entre a arte e o espectador. Gradativamente, seu interesse se volta para a tridimensionalidade. Com Casulo, cria relevos que saem dos quadros e confecciona esculturas e objetos com materiais industriais, como os Trepantes. Seu próximo passo é romper a separação entre os objetos artísticos e o público. Lygia cria Bichos, estruturas móveis feitas com chapas de metal e dobradiças que devem ser manipuladas pelas pessoas. A partir daí, sua produção se alicerça na ideia de que o artista é um propositor de situações e não o criador de obras fechadas. Ela passa a propor happenings e performances que exigem a participação do público, como O Eu e o Tu: Série Roupa-Corpo-Roupa (1967) ou instalações imersivas, de forte carga psicológica e simbólica, como A Casa É o Corpo: Labirinto (1968). A partir de 1976, a artista utiliza seus objetos relacionais em práticas terapêuticas. Ela sugere que seus pacientes recuperam a memória do corpo a partir de sensações criadas por sacos plásticos cheios de sementes, ar ou água; meias-calças contendo bolas; pedras e conchas. Lygia Clark é um dos nomes mais importantes da arte contemporânea.Suas obras encontram-se nos acervos dos mais importantes museus do mundo.

Adriana Duque

As crianças fotografadas por Adriana Duque são personagens de uma cena teatral, uma quase-pintura, que desafia a ideia comum de que a fotografia é um documento inquestionável. Os cenários são construídos, a luz é calculada, as roupas são confeccionadas especialmente para a foto, e os olhos azuis das crianças são adicionados na pós-produção digital. No entanto, nos encantam pela mágica da verossimilhança, por serem imagens que poderiam ser, mesmo que saibamos que não são, fieis a algum real.Natural de Manizales, Colômbia (1968) Adriana Duque vive e trabalha em Bogotál.

Rubem Valentm (1922 - 1991)

Nasce em 9 de fevereiro de 1922, em Salvador, Bahia.Nasci num sobrado com sacada de ferro, à rua Maciel de Baixo, 17, Distrito da Sé. De pais pobres, fui o primeiro dos seis filhos. Custei a nascer e levei muitas palmadas para chorar. Em compensação comecei a gritar com força incomum, o que apavorou os presentes. Foi, ao que parece, meu primeiro grito de protesto contra a violência. Dos quatro aos treze anos, vivi à rua Futuro do Tororó, onde morava gente de classe média e também gente muito pobre e humilde. Cresci tomando consciência das diferenças de classe, de dinheiro sempre escasso e das injustiças que marcavam meu pequeno mundo. Brinquei muito na rua. O prazer maior era empinar arraias e fazê-las com gosto. Durante as festas juninas era um não-acabar de fazer balões de papel colorido, bem como altares de Santo Antonio decorados com recortes de papel de seda e folhas douradas. Mas de todos meus encantos infantis nenhum se comparava ao de fazer presépios. Mundo poético, popular, de cor e riqueza imaginativas, que ficou em mim e influenciou profundamente minha arte.

Barroco Mineiro - Aleijadinho

Chama-se Barroco mineiro a versão peculiar que o estilo Barroco desenvolveu no estado de Minas Gerais, Brasil, entre o início do século XVIII e o final do século XIX. O termo usualmente se refere à arquitetura desse período, mas teve expressões importantes também na escultura e na pintura. O termo Barroco mineiro, porém, apesar de consagrado pelo uso, é uma formulação inexata, visto que boa parte da manifestação artística desse período em Minas Gerais aconteceu dentro da esfera do Rococó, que muitos estudiosos consideram não um simples estilo barroco, mas uma escola independente

Arte Renascentista

Duas grandes novidades marcam a pintura renascentista: a utilização da perspectiva, através da qual os artistas conseguem reproduzir em suas obras, espaços reais sobre uma superfície plana, dando a noção de profundidade e de volume, ajudados pelo jogo de cores que permitem destacar na obra os elementos mais importantes e obscurecer os elementos secundários, a variação de cores frias e quentes e o manejo da luz permitem criar distâncias e volumes que parecem ser copiados da realidade; e a utilização da tinta à óleo, que possibilitará a pintura sobre tela com uma qualidade maior, dando maior ênfase à realidade e maior durabilidade às obras.

Tomie Ohtake

Tomie Ohtake, natural de Kyoto (Japão) chega ao Brasil em 1936 e fixa-se em São Paulo. Inicia seus estudos de pintura em 1952, com o artista plástico japonês Keisuke Sugano. Em 1953, integra o Grupo Seibi ao lado de Flávio-Shiró, Kaminagai, Manabu Mabe, Tikashi Fukushima, entre outros. Em 1969, começa a trabalhar com serigrafia e posteriormente executa litografias egravuras em metal.A seu respeito escreveu Clarival do Prado Valladares: “De acordo com alguns críticos, a pintura de Tomie Ohtake corresponde a um dos pontos mais elevados do abstracionismo já produzido no Brasil. (...) Quando observamos as grandes manchas das telas de Tomie Ohtake percorrerem quase o imensurável das variações tonais de uma cor básica, ocupando uma superfície como se todo universo se resolvesse naquela experiência e naquele momento, sentimo-nos bem próximos de uma exegese da pintura.”

Cynical Realism - Artistas Contemporâneos Chineses

O Realismo Cínico é um movimento contemporâneo em arte chinesa, sob a forma de pintura. Começou em Pequim e se tornou o movimento artístico mais popular da china continental. Surgiu da busca da espressão individual dos artistas chineses que romperam com a mentalidade coletiva que existe desde a Revolução Cultural Chinesa. Os principais temas enfoca a situação sócio-política até questões que abragem eventos revolucionários na china de 1911 até a atualidade. Este Estilo bem-humorado e irônico, transcreve uma perspectiva realista e interpretações da trancisão que a sociedade chinesa passou desde o advento do comunismo a industrialização de hoje.

Reciclar é preciso !

A quantidade de lixo produzida diariamente por um ser humano é de aproximadamente 5 Kg. Se somarmos toda a produção mundial, os números são assustadores.Só o Brasil produz 240 000 toneladas de lixo por dia.O aumento excessivo da quantidade de lixo se deve ao aumento do poder aquisitivo e pelo perfil de consumo de uma população. Separando todo o lixo produzido em residências, indústrias, estaremos evitando a poluição em diversos aspectos, impedindo que as sucatas se misturem aos restos de alimentos, facilitando assim seu reaproveitamento pelas usinas de reciclagem. Uma garrafa plástica ou vidro pode levar 1 milhão de anos para decompor-se. Uma lata de alumínio, de 80 a 100 anos. Porém todo esse material pode ser reaproveitado, transformando-se em novos produtos ou matéria prima, sem perder as propriedades. Além disso, estaremos poupando o meio ambiente e contribuindo para o nosso bem estar no futuro. Pense nisso e faça sua parte.

Tunga - O alquimista da Arte

Alquimia é a ciência antiga e quase mística que combinava elementos da química, antropologia, astrologia, filosofia, metalurgia, matemática, misticismo e religião. É com esse mesmo sincretismo criativo que o pernambucano Tunga orienta sua arte. Tunga se autodeclara um velho leitor de textos sobre alquimia. “Obviamente não pretendo achar o ouro no meio de meu trabalho. A alquimia é apenas uma metáfora”, explicou em entrevista para a ISTOÉ em 2010. Tunga, ou Antônio José de Barros de Carvalho e Mello Mourão, nasceu em 1952 na cidade de Palmeiras, interior de Pernambuco, mas vive atualmente no Rio de Janeiro. Formado em arquitetura pela Universidade Santa Úrsula, atualmente o artista é escultor, desenhista e ator de performance.

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sábado, 7 de janeiro de 2012

Casa do Cinema - Arquitetura Souto Moura - Porto / Portugal

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